Arti Decorative

Usata ancora oggi nelle zone di influenza ortodossa soprattutto nella realizzazione di icone, la tecnica della pittura su fondo oro compare dapprima in ambito bizantino e successivamente nel XII secolo in Italia. Essa prevede la stesura sulla tavola a sfondo dei dipinti di sottili lamine d’oro, che artigiani specializzati detti battiloro ottenevano martellando monete d’oro da un ducato. Come descrive dettagliatamente all’inizio del XV secolo il fiorentino Cennino Cennini nel suo “Libro dell’Arte”, le foglie d’oro venivano “soffiate” sulla superficie, precedentemente stuccata e finita a bolo, e fissate con colle naturali, quali albume, miele, gomme e altre sostanze vegetali, e successivamente levigate con il brunitore, una sorta di pennello terminante con una pietra d’agata appiattita. Era questo un procedimento manuale complesso che, lontano dall’effetto metallico che potrebbe dare una lastra d’oro portata a lucido, conferiva alla tavola una rilucenza profonda e vibrante e alla composizione pittorica, per lo più sacra,…

Considerata per lungo tempo niente più che un oggetto complementare atto a definire e determinare lo spazio dell’opera che racchiude, la cornice solo in tempi recenti ha assunto la connotazione di vero e proprio oggetto d’arte. A ciò hanno anche contribuito alcune importanti mostre internazionali ad essa dedicate, tra le quali quella al Metropolitan Museum di New York nel 1990 e a Parigi nel 1991, e illuminati e lungimiranti mercanti d’arte, primo tra tutti Franco Sabatelli che, con la sua bottega milanese e la partecipazione ad eventi internazionali, ha largamente contribuito alla conoscenza e alla nascita di un collezionismo specifico in questo settore, restituendo alla cornice la dignità di opera in se stessa compiuta e annullando ogni riferimento e legame temporale con ciò che in essa è contenuto; a tale proposito significativo è l’abbinamento cornice antica-opera contemporanea, adottato in molti musei e gallerie d’arte. Parte integrante del quadro nel XIII…

Simbolo peculiare della storia del mobile veneziano del ‘700 è la lacca, che grazie alla grande capacità esecutiva dei “depentori” diventa l’elemento decorativo per eccellenza dell’epopea artistica della Serenissima. Fonte di ispirazione furono fin dal XVII secolo le chinoiseries; provenienti dal lontano Oriente e accolte con grande entusiasmo a Venezia, furono inizialmente oggetto di importazione su larga scala, successivamente imitate per divenire infine vere e proprie creazioni autonome e originali. Questa moda all’orientale dilagò in tutta Europa e nacquero un po’ ovunque veri e propri “cabinets des chinoiseries”, dove venivano esposte preziose  collezioni non solo di oggetti in lacca, ma anche di giade, avori, tappeti e porcellane, entro ambienti  di sapore esotico, appositamente costruiti per accoglierle: dal gabinetto in lacca nera del Castello di Rosemborg a Copenaghen al Padiglione giapponese costruito da Augusto il Forte a Dresda, dalla Maison des Indes di Massimiliano II di Baviera a Nymphenbourg alla Stanza…

Nel periodo del “figurato tardo”, che ha la sua piena espressione nella prima metà del ‘600, si colloca il filone dei cosiddetti “arlecchini”, protagonisti indiscussi del successo della ceramica di Montelupo, tanto celebrata dalla storiografia e dal collezionismo europeo otto-novecentesco. Un filone il cui carattere peculiare è costituito, nella grande maggioranza dei casi, da una precisa sintassi figurativa: una singola figura occupa l’intera superficie del piatto, quasi sempre a fondo giallo, in movimento entro un paesaggio estremamente semplificato, a quinte laterali con picchi rocciosi dalle cime arrotondate e scarsa vegetazione ad antenna, un terreno acciottolato in primo piano e una fascia di prato soprastante. Si tratta di alfieri e tamburini, spadaccini e contadini, alabardieri e personaggi della commedia dell’arte; uomini, spesso con baffi e cappello nero a larga falda, con il colletto bianco, giubba e brache rigate corte al ginocchio, calzature nere, a volte piccole, a volte di forma allungata,…

Il decoro “a vedute“ Una delle principali decorazioni della manifattura Ginori a Doccia all’inizio del secolo XIX è quella che nei documenti di archivio viene definita “a vedute“. Fu introdotta a Doccia probabilmente dal pittore fiorentino Ferdinando Ammannati (ante 1781-post 1823) che, dopo la sua esperienza alla Real Fabbrica Ferdinandea di Napoli, ritornò a Firenze. L’artista, che aveva raggiunto Napoli attorno al 1781 assieme ad altri lavoranti già precedentemente a Doccia e lì si era distinto in particolare come “miniatore di vedute”, sarà presente alla Manifattura Ginori a partire, presumibilmente, dal 1809 e fino al 1823. Il primo documento che conferma la presenza dell’Ammannati a Firenze risale al 3 gennaio 1810, quando Carlo Leopoldo Ginori-Lisci (1788-1837) gli concede una discreta somma “a compensazione delle vedute e disegni da lui portati da Napoli e consegnati alla fabbrica”. L’Ammannati, però, non viene impiegato soltanto nella decorazione delle vedute, ma anche in numerosi…

“Con Taccia ho progettato una lampada a riflettore da tavolo che non facesse ricorso a complicati congegni meccanici: la semisfera in vetro poggia, in modo assolutamente libero e facile da muovere, sulla base cilindrica alettata”. Così Achille Castiglioni scrive nel 1997 su Casabella,  rivendicando ancora l’appartenenza di questo oggetto al “razionalismo della scuola d’architettura del nord Italia”, contro chi la confondeva per una lampada post-moderna. Taccia, progettata nel 1958 e nel 1959 presentata all’Institute of Design dell’Illinois e all’Institute of Technology di Chicago, era inizialmente ideata con l’iconico diffusore in plastica trasparente. Successivamente, viste le deformazioni create su di esso dal calore, si pensò di sostituire alla plastica il vetro soffiato a Murano e così nel 1962 entrò in produzione da Flos. Da allora questa lampada “pensata in modo sbagliato” è diventata uno dei pezzi archetipici della storia del design. Ancora Achille Castiglioni, in una intervista del 1970, definisce Taccia…