Arti Decorative

Nell’ampio panorama della storia dell’arte, un settore ancora poco esplorato è quello dei dipinti ricamati, la cui tecnica risale al primo Rinascimento, quando il ricamo aveva raggiunto livelli talmente elevati da permettere di realizzare opere in grado di competere con quelle pittoriche. I dipinti ricamati venivano spesso eseguiti su bozzetti e disegni preparatori di pittori celebri, come ricorda il Vasari nelle sue “Vite”, o ispirati a importanti quadri coevi reinterpretati con alcune varianti. Inizialmente rivolti soprattutto ad una committenza ecclesiastica, con funzione anche di catechesi e di istruzione religiosa per il popolo, nel ‘600 entrano a far parte anche del collezionismo laico, a conferma dell’alto livello di perfezione esecutiva raggiunto e del conseguente successo tra i contemporanei. Essi sono presenti in grandi raccolte, come quella medicea a Firenze, e nelle abitazioni nobiliari e borghesi, collocati per lo più nelle camere private, viste le ridotte dimensioni, e non nella galleria, solitamente…

Usata ancora oggi nelle zone di influenza ortodossa soprattutto nella realizzazione di icone, la tecnica della pittura su fondo oro compare dapprima in ambito bizantino e successivamente nel XII secolo in Italia. Essa prevede la stesura sulla tavola a sfondo dei dipinti di sottili lamine d’oro, che artigiani specializzati detti battiloro ottenevano martellando monete d’oro da un ducato. Come descrive dettagliatamente all’inizio del XV secolo il fiorentino Cennino Cennini nel suo “Libro dell’Arte”, le foglie d’oro venivano “soffiate” sulla superficie, precedentemente stuccata e finita a bolo, e fissate con colle naturali, quali albume, miele, gomme e altre sostanze vegetali, e successivamente levigate con il brunitore, una sorta di pennello terminante con una pietra d’agata appiattita. Era questo un procedimento manuale complesso che, lontano dall’effetto metallico che potrebbe dare una lastra d’oro portata a lucido, conferiva alla tavola una rilucenza profonda e vibrante e alla composizione pittorica, per lo più sacra,…

Considerata per lungo tempo niente più che un oggetto complementare atto a definire e determinare lo spazio dell’opera che racchiude, la cornice solo in tempi recenti ha assunto la connotazione di vero e proprio oggetto d’arte. A ciò hanno anche contribuito alcune importanti mostre internazionali ad essa dedicate, tra le quali quella al Metropolitan Museum di New York nel 1990 e a Parigi nel 1991, e illuminati e lungimiranti mercanti d’arte, primo tra tutti Franco Sabatelli che, con la sua bottega milanese e la partecipazione ad eventi internazionali, ha largamente contribuito alla conoscenza e alla nascita di un collezionismo specifico in questo settore, restituendo alla cornice la dignità di opera in se stessa compiuta e annullando ogni riferimento e legame temporale con ciò che in essa è contenuto; a tale proposito significativo è l’abbinamento cornice antica-opera contemporanea, adottato in molti musei e gallerie d’arte. Parte integrante del quadro nel XIII…

Simbolo peculiare della storia del mobile veneziano del ‘700 è la lacca, che grazie alla grande capacità esecutiva dei “depentori” diventa l’elemento decorativo per eccellenza dell’epopea artistica della Serenissima. Fonte di ispirazione furono fin dal XVII secolo le chinoiseries; provenienti dal lontano Oriente e accolte con grande entusiasmo a Venezia, furono inizialmente oggetto di importazione su larga scala, successivamente imitate per divenire infine vere e proprie creazioni autonome e originali. Questa moda all’orientale dilagò in tutta Europa e nacquero un po’ ovunque veri e propri “cabinets des chinoiseries”, dove venivano esposte preziose  collezioni non solo di oggetti in lacca, ma anche di giade, avori, tappeti e porcellane, entro ambienti  di sapore esotico, appositamente costruiti per accoglierle: dal gabinetto in lacca nera del Castello di Rosemborg a Copenaghen al Padiglione giapponese costruito da Augusto il Forte a Dresda, dalla Maison des Indes di Massimiliano II di Baviera a Nymphenbourg alla Stanza…

Nel periodo del “figurato tardo”, che ha la sua piena espressione nella prima metà del ‘600, si colloca il filone dei cosiddetti “arlecchini”, protagonisti indiscussi del successo della ceramica di Montelupo, tanto celebrata dalla storiografia e dal collezionismo europeo otto-novecentesco. Un filone il cui carattere peculiare è costituito, nella grande maggioranza dei casi, da una precisa sintassi figurativa: una singola figura occupa l’intera superficie del piatto, quasi sempre a fondo giallo, in movimento entro un paesaggio estremamente semplificato, a quinte laterali con picchi rocciosi dalle cime arrotondate e scarsa vegetazione ad antenna, un terreno acciottolato in primo piano e una fascia di prato soprastante. Si tratta di alfieri e tamburini, spadaccini e contadini, alabardieri e personaggi della commedia dell’arte; uomini, spesso con baffi e cappello nero a larga falda, con il colletto bianco, giubba e brache rigate corte al ginocchio, calzature nere, a volte piccole, a volte di forma allungata,…

Peculiarità della concezione del presepe napoletano è di essere maturata in ambiente laico; prova ne sono le inconsuete varianti narrative, non solo quelle legate alla narrazione evangelica, ma anche quelle desunte dalla cultura e dalla tradizione partenopea. Alla scena della Nascita di Gesù si affiancano infatti episodi ispirati ad una quotidianità a volte cruda, a volte ironica, a volte intrisa di spiritualità, quasi che il fine di questi presepi non sia quello di suscitare nell’osservatore sentimenti di religiosità attraverso episodi evangelici, ma piuttosto attraverso episodi di una vita colta nella sua varietà e vivacità, essa stessa intrisa di sacralità. Lo scoglio, cioè la scenografia del presepe, in legno, sughero, cartapesta, ha diverse fonti di ispirazione: i paesaggi pittoreschi di Salvator Rosa, i paesaggi con rovine di Viviano Codazzi, i paesaggi ameni di Giacinto Gigante; la scena si anima di pastori, termine unico che definisce genericamente ogni personaggio, chiunque esso rappresenti.…